Трудности в понимании сольфеджио возникают даже у учеников музыкальных школ. Дело в том, что оно преподается в тесном переплетении с элементарной теорией музыки, и отделить одно от другого детский мозг, столкнувшийся со всем этим впервые, просто не в состоянии.
Всё зависит от уровня подготовки педагога и его любви к преподаванию. К сожалению, довольно часто учителя сольфеджио к своей профессии не сильно привязаны, а учащихся считают балбесами, которым медведь на ухо наступил. Нередко бывает, что вплоть до последних классов музыкальной школы ученики (особенно мальчики) не могут понять ни ЭТМ, ни сольфеджио. Что уж говорить о музыкантах-самоучках!
Попробуем же разобраться, как отделить сольфеджио от теории музыки, что это вообще такое, и как им заниматься, если не довелось учиться в музыкалке.
Сольфеджио, если говорить простыми словами, – это система вокальных упражнений для развития музыкального слуха и попутного понимания умом, что именно происходит в мелодиях и гармониях в практическом смысле.
На всякий случай переформулируем по другому: сольфеджио – это как набор физических упражнений или приемов в боевых искусствах, заученных до автоматизма. Вроде «ката» в карате, но делается голосом.
Сольфеджио развивает музыкальный слух и музыкальную память. Достигается это при помощи специальных действий. Основные таковы:
Если вам уже непонятно, то вот здесь как раз и находится точка, где сольфеджио тесно соприкасается с элементарной теорией музыки. Занятия сольфеджио почти невозможны без знания основ ЭТМ.
Но чтобы начать заниматься самостоятельно, потребуется узнать не так много. Нужно получить базовое понимание о следующих вещах (сначала озвучим список, который многим покажется страшным, а частичная расшифровка – позже):
1. Обозначение семи общеизвестных нот в скрипичном ключе, то, как они записываются на нотном стане, состоящем из 5 линеек (это про «кружочки» нот).
2. Основные виды музыкальных размеров: двудольный, трехдольный, четырехдольный.
3. То, как записываются основные длительности нот: «целая», «половинная», «четвертная», «восьмая», «шестнадцатая» (это про «хвостики» нот).
4. То как записываются увеличенные на половину своей длительности звуки (ноты), они же «ноты с точкой».
5. Понятие «триоль»: группа из трех звуков (нот) равной длительности, сыгранных или спетых вместо двух нот (например, восьмых) формально такой же длительности. Это часто называют «три вместо двух».
6. То, как записывается повышение и понижение нот (звуков) на полтона – знаки диеза и бемоля; а также знак их отмены по ходу произведения – бекар.
7. Понятия «октава», «тон», «полутон».
8. Основные музыкальные лады: мажор натуральный, минор натуральный, минор гармонический. Ладовые «ступени» (порядок звуков в них). «Устойчивые» и «неустойчивые» ступени.
9. Основные интервалы: секунда, терция, кварта, квинта, секста, септима и их разновидности, включая «интервал Дьявола» – тритон.
10. Основные трезвучия и их функции в гармонии: тоническое, субдоминантовое, доминантовое.
Всё упомянутое кажется сложным и даже чуждым, но на самом деле эти знания имеют совсем небольшой объем и представляют собой буквально краеугольный камень ЭТМ. Без них никаким реальным сольфеджио заняться не получится. Хотя некоторые передовые педагогические системы позволяют научить детей и взрослых кое-каким основам, но лишь фрагментарно.
Рассмотрим этот вопрос обзорно. Все звуки в музыке имеют определенный тон или высоту. Их, в отличие от шумов, или, скажем, звуков барабанов можно спеть, причем очень точно, если они входят в диапазон голоса.
У каждого тонального звука в музыке есть частота. Она измеряется в количестве колебаний (например, струны) в секунду или «герцах». Нота «ля» первой октавы – это колебания струны с частотой 440 раз в секунду (440 Гц).
Если мы увеличим частоту ровно в два раза – до 880 колебаний струны в секунду, то получим еще одну «ля». И она будет звучать сильно выше первоначальной, но вместе с тем как бы «одинаково». Сыгранные вместе, эти звуки будут сливаться. Такое явление называют «унисон», а интервал между двумя «ля» – «октавой».
Представим себе клавиатуру фортепиано. На ней 88 клавиш. Они охватывают 7 полных октав, но только не от «ля» до «ля», а от «до» до других «до». То есть, от самых низких, которые с комфортом может воспринимать человеческое ухо, до самых высоких.
Что такое все остальные ноты? Это отрезки, на которые «нарезана» октава. В каждой октаве эти отрезки повторяются, то есть, они одинаковые. Любая нота в более высокой октаве (начиная с басовых звуков до самых писклявых) имеет частоту в два раза больше, чем такая же по обозначению нота октавой ниже.
Например, «ля» в первой октаве имеет частоту 440 Гц, во второй октаве – 880 Гц, в третьей – 1760 Гц. И все они звучат в унисон – то есть, очень похоже, и поэтому «сливаются».
Каждая октава – от «до» до «до» – «нарезана» на 12 равных промежутков (нот). Это и есть «полутоны». Расстояние в два полутона называется «тон». Разделение октавы на 12 полутонов называют «темперацией».
Еще 400 лет назад существовали чуть-чуть другие виды разделения октав на ноты, но мы про них не будем упоминать – тема относится к истории музыки и слегка странной физике звука. И сведения по ней только запутают новичка.
Расстояние от «до» до более высокой «до» в каждой октаве можно пройти разными по размеру шагами (в тонах и полутонах). Сочетания таких шагов называют «ладами». По-другому последовательность шагов называют «звукоряд».
Скажем, лад под названием «натуральный мажор» представляет собой следующую последовательность шагов (посчитаем от той же «до» – для простоты):
Тон-тон-полутон-тон-тон-тон-полутон.
Натуральный мажор легче всего услышать, если сыграть по белым клавишам фортепиано последовательность от ноты «до» до следующей «до». Этот лад ощущается как светлый и торжественный, иногда как веселый и бодрый, иногда как радостный.
Если же сыграть по тем же белым клавишам фортепиано звукоряд от «ля» до более высокой «ля», вы получите другой лад – «натуральный минор».
У него особая, традиционно сложившаяся последовательность тонов и полутонов (шагов). Звучание его воспринимается как печальное, грустное, а иногда как скорбное или мрачное.
Основных шагов, они же «ноты», в октаве семь. Каждый, по традиции, назван слогом: «до», «ре», «ми», «фа», «соль», «ля», «си». Основные шаги осуществляются ТОЛЬКО по белым клавишам пианино. Существует параллельная традиция называть их по первым буквам латинского алфавита. Но – начиная не от «до», а от «ля». Последовательность (по белым клавишам) при записи буквами будет выглядеть так:
«Ля» – A,
«Си» – B,
«До» – C,
«Ре» – D,
«Ми» – E,
«Фа» – F,
«Соль» – G…
…и снова «Ля» (октава) или A.
Кстати, эта буквенная последовательность представляет как раз «грустный» лад «натуральный минор», о котором только что говорили. Удобно для понимания, не правда ли?
Каждая первая нота любого лада называется «тоника». Любой лад, построенный от такой тоники, мелодия в этом ладу, аккорды, составленные из нот лада, образуют гармоничную на слух систему. Ее называют «тональность».
Тональность на письме обозначают как сочетание названия тоники (например, «До» или C) и базового лада – мажора или минора. Название системы звуков, главный из которых «до», с употреблением мажорного звукоряда будет называться «тональность До-мажор» или «C-dur». Это (внезапно) немецкая традиция и немецкий язык, хотя названия нот «До», «Ре», «Ми» и. т. д. – итальянская традиция. Так уж всё перемешалось в теории в связи с загогулинами культурной истории...
Как вы могли заметить, к этому моменту мы уже углубились в самую соль элементарной теории музыки. Всего за несколько минут. И, не правда ли, не так уж всё это и сложно? Строго говоря, ЭТМ – это такая довольно примитивная арифметика. Она доступна первокласснику, если сопровождать ее изучение музыкальными звуками – то есть, игрой на фортепиано или MIDI-клавиатуре, поначалу – буквально одним пальцем.
И счастью, в Интернете полно специализированных и подробных видео на русском языке, где объясняют всё то же самое, но разными словами, на разных уровнях сложности, да еще и играют примеры на музыкальном инструменте.
Нотная запись существует для того, чтобы композитор не забыл придуманную им музыку. А также чтобы другие музыканты могли посмотреть на музыкальный текст, отпечатанный на бумаге, и сыграть ровно то, что сочинил композитор.
Также ноты нужны для образовательных целей. Ими записывают уже упомянутые нами лады, звуковые интервалы и аккорды. Нотами же записывают очень простые мелодии, созданные для первоначальных упражнений по развитию музыкального слуха и голоса. Требуются они и для понимания многих аспектов музыкальной теории.
Композиторам во все времена нужно было как-то фиксировать на бумаге и мелодию, и гармонию, и ритм музыки одновременно. Система такой записи разрабатывалась веками и наконец приобрела современный вид. Она довольно экономна и даже остроумна, хотя ноты могут выглядеть нагромождением закорючек, если не понимаешь, что они означают.
Ноты записываются на нотном стане. Это длинные линейки в количестве 5 штук, расположенные друг от друга на равном расстоянии. За высоту нот отвечают округлые значки – контурные или сплошные, которые располагаются на линиях нотного стана и между ними.
Каждое положение овала на нотном стане означает какой-либо тональный звук с определенной высотой. Как мы уже знаем, основных «овалов» или нот бывает – семь. Но их не хватает для записи всех 12 равных отрезков октавы (полутонов).
Поэтому были приняты два специальных знака, которые ставятся (или не ставятся) перед нотами. Скажем, для ноты, повышенной на 1 полутон, используется знак «решетки» (#), и называется он «диез».
Для понижения основной ноты на 1 полутон используется знак, по начертанию напоминающий строчную латинскую «b». Он называется «бемоль».
Если мелодия «не умещается» на пяти линейках нотного стана, то для каждой ноты ниже или выше рисуются добавочные коротенькие линейки – длиной чуть больше овала конкретной ноты.
В системе нотной записи принято по-разному начинать отсчет нот от определенных линеек. Разные инструменты классического оркестра имеют соответственно разный диапазон. Музыкантам удобно, когда ноты записаны так, чтобы не было много добавочных линеек.
Когда выбирается конкретное положение на нотном стане для определенной ноты «до», и только от нее потом ведется весь отсчет и все написание остальных нот, это называется «ключ». Ключи принято именовать либо по названию музыкального инструмента, либо по диапазону его звучания (или звучания голоса).
Самый распространенный ключ, который используется в сольфеджио, это «скрипичный». Он, как понятно по названию, подходит для скрипок, детских и женских голосов.
«До» первой октавы (она находится примерно в середине клавиатуры фортепиано) в скрипичном ключе рисуется на первой снизу от нотного стана добавочной линейке, причем линейка пересекает овал ноты. От этой «до» и отсчитываются все остальные ноты – как вверх, так и вниз.
Второй распространенный ключ – это «басовый». Он подходит для мужских голосов и большинства басовых инструментов. На нем точка отсчета – то же «до» первой октавы, только записывается нота на первой добавочной линейке ВЫШЕ нотного стана. А отсчет идет вниз. Это удобно визуально (см. рисунок ниже). Некоторые предпочитают считать от «до» малой октавы. В басовом ключе она расположена между второй и третьей снизу линейками нотного стана.
Ключи обозначаются в начале нотного стана красивыми фигурами, которые легко запомнить по их виду.
Для большинства музыкальных задач, в том числе для занятий сольфеджио, хватает знания всего двух ключей – скрипичного и басового.
Новичку нужно запомнить расположение в них нот «до». И поначалу отсчитывать от них все остальные. Со временем буквально каждый заучивает, как выглядит любая нота в каждом ключе визуально. И обученным людям считать при чтении нот линеечки уже не приходится…
Ну вот, мы слегка копнули и азы нотной записи. Тоже не слишком больно для осмысления, так ведь?
Конечно, для полного погружения требуется хороший учебник, и мы рекомендуем
ставшее практически классическим издание за авторством Игоря Способина «Элементарная теория музыки».
Можно, но в очень ограниченных пределах. Для поп- и рок- вокалистов такие занятия будут означать слушание и максимально точное повторение голосовых партий из любимых записей.
А для инструменталистов подходит следующий прием: пойте то, что играете на инструменте – скажем, на гитаре. Все музыкальные фразы, аккорды по отдельным звукам, интервалы из двух нот.
Петь можно слогами на «ла-ла» или «ту-ту» – это своего рода самодеятельный вариант сольмизации. Внимание – слоги с гласными «а» и «о» петь заметно труднее, чем слоги с гласными «у» или «и».
Приём «пою то, что играю», кстати, применяют для развития внутреннего слуха и вокальной координации с ним даже искушенные в теории музыки джазмены. Им это нужно как часть обучения свободной импровизации.
Вернемся к тому, с чего начали. Еще педагоги древних времен заметили, что отвлеченное умствование (в нашем случае это ЭТМ) дается людям трудновато. А вот то, что они делают собственным телом (в нашем случае – это пение в сольфеджио), запоминается и понимается лучше.
БОльшая часть традиционного и современного музицирования очень телесна. В стороне от этой телесности находятся, пожалуй, лишь электронные музыканты, которые рисуют в DAW партии мышью, не поют и не играют ни на одном инструменте.
А что может быть более «мышечно» и чувствуемо прямо всеми фибрами души, чем пение? С ним не сравнится даже виртуозная игра на скрипке, хотя, строго говоря, эти вещи сравнивать не совсем корректно.
Занятия сольфеджио как бы «впихивают» нам музыку напрямую, минуя обдумывание – через колебания звуковых связок, вибрации гортани и окружающих тканей, и через реакцию на них мозга. Во многом это бессознательное научение. В науке его называют «имплицитным».
Повторяя и повторяя любимые музыкальные фразы или специальные упражнения, мы постепенно начинаем «чувствовать» интервалы, аккорды, лады, украшения (мелизмы), тональности и прочее, даже если не знаем, как все это называются.
Хорошие преподаватели сольфеджио подкрепляют телесность пения еще и образным рядом. Например, некоторые учителя так описывают детям разницу между большой (мажорной) терцией и малой (минорной) терцией: они поют «Мя-у» (ми-до) и говорят: вот идет веселый котик! А затем поют «Мя-у» (ми-бемоль-до) и сообщают, а вот – очень грустный котик.
Потом дети поют вместе с преподом веселое «мя-у» и грустное. И эти звуки действительно ощущаются именно как две эмоции котика. Такое запоминается на всю жизнь, а затем выросшие ученики таким же образом учат своих детей.
При самостоятельном обучении для каждого интервала, каждого аккорда, включая сложные четырех- и пятиголосные, можно придумать собственный образный, ассоциативный ряд.
Можно, скажем, рисовать всякие наглядные пиктограммы для ладов, интервалов и аккордов, если вы склонны к рисованию. А затем петь их, глядя на рисунки.
Можно ассоциировать интервалы с эмоциями. Например, малая септима – это тревожно, потому что похоже на сирену «скорой помощи». А большая септима – это страшно, это будто призрак крадется ночью по вашему дому…
Короче говоря, сольфеджио является телесно-эмоционально-образной работой над интуитивным пониманием музыки, развитием слуха и музыкальной памяти. А ЭТМ – это математика, помогающая делать правильные упражнения.
Нередко бывает так, что начинающий музыкант хорошо слышит соотношения звуков, лады, аккорды, и т. п. у себя «в голове», воспроизводит их на инструменте, понимает и читает ноты, но совершенно не может спеть ни один интервал или мелодию хоть сколько-нибудь точно.
Опытные педагоги такое явление называют «хороший внутренний слух с плохой координацией». Имеется в виду, что мозг музыканта пока не научен проецировать внутренние музыкальные образы на вокальный аппарат. И это отлично исправляется занятиями сольфеджио.
Также они очень полезны тем, у кого музыкальный слух от рождения «на четверочку». Обычно не все ближайшие предки среднего человека имеют музыкальный слух. Нередки буквально трагикомические случаи, когда из двух дедушек и двух бабушек трое отлично пели и играли на музыкальных инструментах, а у одной, скажем, бабушки со слухом все было очень плохо.
В результате их внук или внучка определенно получает музыкальные способности, но высока вероятность, что в них будет изъян – тот самый «слух на четверочку». Не всегда точный, спотыкающийся на различении септаккордов и необычных ладов, упрощающий гармонии при подборе на слух любимой музыки и т. п.
Сольфеджио в этом случае – прекрасный способ компенсации недобора очков в генетической лотерее. Слух можно улучшить – конечно, не до абсолютного (это генетический джек-пот со своими минусами), но до такого состояния, что вы сможете, например, настраивать гитару близко к эталону БЕЗ камертона и сверки с другим инструментом.
В общем, сольфеджио – это круто. Им полезно заниматься в любом возрасте, а со временем, при регулярных занятиях, они становятся еще и приятными.
Ну и по традиции – рекомендация учебника для самостоятельного изучения. Подойдет первая часть «Курса сольфеджио» за авторством Артёма Агажанова – известного советского музыковеда и преподавателя теоретических дисциплин. Использовать лучше вместе с учебником Способина по ЭТМ…
Владимир Лакодин